Sono stato ufficialmente nominato membro di giuria del 23° Concorso Internazionale "Città di Porcia" per Tuba, che si terrà il prossimo Novembre.
Maggiori informazioni saranno disponibili presto nel link che trovate qui sotto
I have been officially appointed jury member of the 23rd International Solo Competition "Città di Porcia" for Tuba, that will take place next November
in Italy.
More infos will be soon available on the link below
Ho ricevuto la prima bozza di calendario per l'International Tuba Euphonium Conference che si terrà dal 22 al 30 giugno prossimo presso la prestigiosa Brucknerhaus di Linz in Austria, il calendario è pieno di eventi che neanche immaginate: concerti di solisti, gruppi di ottoni tra cui i favolosi Mnozil Brass, brass band, master class di ogni genere, la possibilità di incontrare molti tra i più importanti esponenti a livello mondiale dei nostri amati strumenti e compagni di viaggio, e tanto divertimento;
non perdete l'occasione di partecipare ad un evento di simile portata una volta che lo organizzano in europa, ed in più così vicino all'italia. Steven Mead sta facendo un lavoro strepitoso insieme ai suoi collaboratori di Linz.
E' una grossa opportunità per tutti, ma soprattutto per i più giovani e per quelli che vogliono fare grandi cose nella loro vita musicale.
Non lasciatevi scappare questa occasione, scrivetemi se avete bisogno di informazioni o di aiuto.
Today surfing on FaceBook I found a very interesting article on the value of Teachers, maybe this is very common in the States where anyone can aspire to earn more money if do his/her job better then others;
but I think for many italians could be upsetting: in the pubblic schools everything is flattened, everybody get the same money, the wage increase depends only on years of service, and the quality of the teachers is not recognised; furthermore we are leaving in a period where there is an abuse of fixed-term employment, without the security to be confirmed the following year, independently if one did a good job or not.
It is absolutely frustrating.
But everytime our politicians talks about meritocracy I shudder, because when they try to do some change, the results are even worste then what we have.
bureaucra"z"y reigns supreme.
I'd like that my work was recognized more from my country.
Oggi navigando su facebook ho trovato un articolo molto interessante sul "Valore degli Insegnanti", magari quello di cui parla l'articolo può essere una cosa molto comune in un paese come gli Stati Uniti dove tutti possono aspirare a guadagnare di più o ad avere dei riconoscimenti se fanno bene il proprio lavoro o se lo fanno meglio degli altri;
questa teoria invece per molti italiani potrebbe essere sconvolgente (specialmente per i diretti interessati): nella scuola pubblica tutto è appiattito, ognuno guadagna gli stessi soldi, lo stipendio aumenta solo per scatti di anzianità (Chi ce li ha tra l'altro, visto che i precari della scuola non hanno questo privilegio) e la qualità degli insegnanti non è riconosciuta in alcun modo; inoltre stiamo vivendo in un periodo dove si abusa del precariato, rispetto alla gestione di stampo comunista del pubblico impiego italiano, c'è stata addirittura una regressione; molti non sanno se l'anno prossimo lavoreranno o se lavoreranno nella stessa scuola, indipendentemente se abbiamo fatto un buon lavoro o meno, e la continuità didattica?
E' assolutamente frustrante.
Ogni volta che i "nostri" politici parlano di meritocrazia rabbrividisco perchè riescono solo a far danni, non sapendo loro in molti casi cosa significhi quella parola.
La burocrazia regna sovrana e ogni anno sono costretto a produrre quintali di carta straccia.
Mi piacerebbe molto che il mio lavoro fosse riconosciuto come si deve dal mio Paese.
In the last 60 years, or more, the Bflat tuba has been supplanted in most of the professional orchestras in the world by the C tuba, with the exception of the german speaking countries where it has never konwn a crisis, do to thier strong musical tradition.
In Italy too the Bflat tuba was predominant, too much I would say, because was used also for all the opera repertoire, but most of that operas were written for F instruments…..with the results you all can imagine, the istrument used in that case was a Bflat Contrabass Trombone, Bflat Cimbasso or whatever you want to call it.
Most of the european tuba players that moved to the States during the first half of the 20th century,like Fritz Geib and August Helleberg, used a Bflat.
With the “new” generations the C tuba became the standard contrabass tuba; Arnold Jacobs launched the trend of the 6/4 “York” style (that is still the most copied design on the “big C tuba“ world) creating a new tradition, that is still the must for most of the modern orchestral tuba player.
This trend has gained worldwide so you can find a “York” style C tuba in New York, Chicago, as well as Amsterdam, Tokyo or Sidney.
Seems that the particular sound of that kind of tuba has infected everyone.
I also ,afer playing Bflat tuba for few years (winning my first audition in San Carlo Theater Orchestra on a Miraphone Bflat), moved to a C tuba as my only contrabass instrument (PT-6P), with which I played for many years; honestly I have to say that my first impression was everything on the C tuba was much easier to play compared with a Bflat, the articulation was clearer and not a small thing: the missing notes were much less.
Only when I started to audition in Germany I decided to come back to the Bflat and the first impact was terribile, I coudln’t play a really legato, and the high register was full of mistakes…with time the results start to improve, and now that I use a Fafner, I fixed my level on how good I can play it, in all the features: sound, intonation, articulation, legato, flexibility.
For a while my use of the Bflat was almost only in preparations for auditions; but then something changed, maybe the technical improvements with it has played a key role, my taste has changed and I decided to use more the BBflat.
My idea of orchestral sound has develop, and from “two colors” (F tuba and C tuba) has become “three colors” (F tuba, C tuba and Bflat), and with it also the use of the different instruments through the repertoire has changed.
I found much more possibilites in my color palette; and this choice, that maybe none of the orchestral colleagues will notice at first sight, will change the sound of orchestra in each particular work.
I have to say also the manufacturers spent during the years more time and money developing C tubas then Bflat, there are plenty of different professional models in C then in Bflat.
Today also if the designs of the Bflat are not so far from the traditional design ( German Style Kaiser Tuba) the performance qualities are much better then before, the playability, the response, the intonation, and the resonance are first class.
So what change? Why a tuba player should play both C and Bflat?
Good question!!
It’s very difficult to describe the difference between a C “York” Style (or american style C tuba) and a Bflat “Kaiser” Tuba, I red many descriptions about that and still it’s not easy to have a clear idea, here you can find a satisfying report:
The Kaiser tuba to me has a very dark and deep sound, with a lot of core, everytime I play it I feel the weight of its sound, the York style has a more broad sound,with less core but with which is very easy to melt with the rest of the orchestra….yes I know, it’s a too much superficial descritpion, as I once red: “talk about music is like dance about architecture”.
You should experiment by yourself, not only playing both but also listening the different orchestras in the world (with internet today we have all the tools to do it) and making a comparison in sound, it worth it.
In the last years I saw that some of the tuba players in the biggest american orchestras have shown interest on the Bflat, that’s a very big change considering that in the last sixty years C tuba in the States has been the all around orchestral instrument; the first I knew is Gene Pokorny (Chicago Symphony Orchestra), for which the Melton/Meinl Weston has developed the piston version of the Fafner; Carol Jantsch (Philadelphia Orchestra) shown an interest on the Fafner; Matt Good (Dallas Symphony) own his Fafner, and more and more in other countries are moving to this new trend. Brian Earl principal tuba in La Scala Orchestra told me both times he played the Ring, the conductors Muti first and Bareboim nowadays asked him to play a Bflat tuba, the original instrument for which Wagner wrote the contrabasstuba part.
Mainly two reasons have led to this process:
- the open-minded of some pioneering musician, ready for the challenge that adding a different instrument to their arsenal requires.
- meticulousness and knowledge of some conductors in demanding different instruments, compared to others who are unaware of the existence of it;
This can be considered the beginning of a revenge of an instrument outperformed in the decades by the more refined and more developed horn pitched in C.
I hope this opennes of views can influence more countries and musician in future, this article was written to support the B flat in a C tuba world, but I would like to see the same for the C tuba on Bflat tuba world.
La rivincita della Tuba in Sib
Negli ultimi 60 anni, e più, la tuba in Sib è stata soppiantata in molte delle più grandi orchestre professionali nel mondo dalla Tuba in Do, con l’eccezione di tutti i paesi di lingua tedesca dove non ha mai conosciuto crisi, grazie alla loro forte tradizione musicale.
Anche in Italia la Tuba in Sib è stato lo strumento predominante per molti anni, direi anche troppo, perchè venne usata anche per tutto il repertorio lirico (ma la stragrande maggioranza delle opere sono state scritte per strumenti in Fa)……con i risultati che tutti possiamo immaginare, lo strumento usato in quei casi era il trombone contrabbasso in Sib, Cimbasso in Sib o comunque lo vogliate chiamare.
Molti dei tubisti europei che migrarono negli Stati Uniti agli inizi del ventesimo secolo, come Fritz Geib e August Helleberg, usarono molto strumenti in Sib.
Con le “nuove” generazioni la Tuba in Do divenne la Tuba Contrabbassa standard; Arnold Jacobs lanciò la moda della Tuba in Do 6/4 modello “York” (che è tutt’oggi il disegno più copiato nel mondo delle grandi tube in Do da orchestra) creando così una nuova tradizione, che è ancora un riferimento per molti dei moderni tubisti d’orchestra.
Questa moda ha raggiunto dimensioni globali, perciò oggi si possono trovare Tube in stile “York” a New York, Chicago, come ad Amsterdam, Tokyo o Sidney.
Sembra che il suono particolare di quel tipo di Tuba abbia infettato chiunque.
Anche io, dopo aver suonato la Tuba in Sib per qualche anno (ho vinto il mio primo concorso al Teatro San Carlo di Napoli con una Miraphone in Sib) sono passato alla Tuba in Do come mia unica Tuba Contrabbassa (B&S 3198, PT-6P), con la quale ho suonato poi per diversi anni.
Onestamente devo dire che la mia prima impressione,una volta passato alla Tuba in Do, era che tutto fosse molto più facile da suonare rispetto alla Tuba in Sib, l’articolazione era più chiara e…una cosa non da poco: gli scrocchi erano molti meno!!
Solo quando ho cominciato a fare audizioni in Germania ho deciso di tornare alla Tuba in Sib, ed il primo impatto è stato terribile, non ero capace di suonare un vero legato, ed il registro acuto era pieno di scrocchi….con il tempo e lo studio le cose sono cominciate a migliorare, ed ora che suono una Fafner (Melton), fisso il mio livello in base a quanto bene riesco a suonare quello strumento, in tutti gli aspetti: suono, intonazione, articolazione, legato, flessibilità.
Per un certo periodo il mio uso della Sib si limitava al tempo che dedicavo alla preparazione dei concorsi; ma poi qualcosa è cambiato, magari i miglioramenti tecnici hanno giocato un ruolo chiave, fatto sta che il mio gusto musicale è cambiato ed ho cominciato ad usare di più la Tuba in Sib.
La mia idea di suono orchestrale si è sviluppato, e da “due colori” (Tuba in Fa e Tuba in Do) è diventato a tre colori ( Tuba in Fa, Tuba in Do e Tuba in Sib), e con esso è cambiata la scelta dei diversi strumenti in base al repertorio.
Ho trovato molte più sfumature nella mia tavolozza di colori-suoni, e questa scelta che a prima vista potrebbe lasciare indifferenti gli altri colleghi d’orchestra, in realtà cambia il suono dell’orchestra in ogni diversa composizione.
C’è da dire che nel corso degli anni le ditte di strumenti hanno investito molto più tempo e denaro nello sviluppo di Tube professionali in Do rispetto a quelle in Sib, fino a poco tempo fa c’era un’infinità di Tube professionali in Do e molto poche in Sib.
Oggi anche se il design delle Tube in Sib non si è discostato da quello tradizionale (Kaiser Tuba ) le qualità performanti sono di molto superiori rispetto al passato, la suonabilità, la risposta, l’intonazione e la risonanza sono di prima classe.
Allora, cos’è cambiato? Perché un musicista dovrebbe suonare sia la Tuba in Do che quella in Sib?
Bella domanda!!
E’ molto difficile descrivere la differenza tra una Tuba in Do stile York (o di stile “americano”) ed una Kaiser Tuba in Sib, ho letto tante descrizioni a riguardo e nonostante tutto non è facile trovare una spiegazione che sia realmente chiara, in questo link di seguito potrete trovare un resoconto
Per me la Kaiser Tuba ha un suono molto scuro e profondo, con un centro molto definito, ogni volta che la suono sento veramente il peso del suo suono; la York sembra avere un suono più largo, con più alone, meno centrato ma che si amalgama molto bene con il resto dell’orchestra…si, lo so, è una descrizione troppo superficiale,una volta ho letto questa frase che rende molto l’idea: “parlare di musica è come ballare di architettura”.
Dovete sperimentare da soli la differenza tra i due suoni, non solo provando le diverse tube ma anche ascoltando le diverse orchestre nel mondo (con internet oggi abbiamo tutti i mezzi per farlo) e fare una comparazione in termini di suono, ne vale la pena.
Negli ultimi anni ho visto che alcuni tubisti delle più grandi orchestre americane si sono interessati alla tuba in Sib, questo è veramente un grande cambiamento visto che negli ultimi sessanta anni in America la Tuba in Do è stato lo strumento jolly con cui si faceva quasi tutto; il primo di cui sono venuto a sapere è Gene Pokorny (Chicago Symphony Orchestra) per cui la Melton ha sviluppato la versione a pistoni della Fafner, Carol Jantsch (Philadelphia Orchestra) so che era interessata alla Fafner, Matt Good (Dalla Symphony) ha una Fafner, ed altri ancora in altri paesi si stanno muovendo verso questo nuovo trend.
Brian Earl, tubista del Teatro alla Scala, mi ha detto che entrambe le volte che ha suonato il Ring di Wagner, i direttori Riccardo Muti prima, e Daniel Barenboim dopo, gli hanno chiesto di suonare la Tuba in Sib, lo strumento originale per il quale Wagner scrisse la parte del tuba contrabbassa.
Due motivi principali hanno portato a questo cambiamento:
- l’apertura mentale di alcuni musicisti innovatori, pronti per la sfida che aggiungere uno strumento diverso al proprio arsenale richiede.
- la meticolosità e la conoscenza di alcuni Direttori nel richiedere strumenti diversi, rispetto ad altri che ne ignorano addirittura l’esistenza.
Questa può essere considerata la rivincita di uno strumento caduto quasi in disuso per anni,al quale è stato preferito la più ricercata e più sviluppataTuba in Do.
Spero che questa apertura di vedute possa influenzare ancora più paesi e musicisti in futuro, ho scritto questo articolo per supportare la Tuba in Sib in un mondo dove la Tuba in Do la fa da padrone, ma mi piacerebbe vedere lo stesso per la Tuba in Do nel mondo della Tuba in Sib.
In occasione del centesimo anniversario della morte di Gustav Mahler, si sta svolgendo a Lipsia il Mahler Festival, ogni sera vengono eseguiti i capolavori del grande compositore austriaco da alcune tra le migliori orchestre del mondo, la televisione francese "Arte" trasmette tutti i concerti ( anche in streaming via internet) in diretta. Esecuzioni magistrali assolutamente da non perdere, per guardare tutti i concerti:
On thehundredthanniversaryofthe deathofGustavMahler, is taking placeinLeipzig the MahlerFestival,every evening are performed by some of the best orchestras in the world the master works of the austrian composer, french TV "Arte"broadcasts allthe concerts(also streamingon the Internet) live. Masterfulperformances not to be missed, to watch all the concerts:
When it comes to practice virtuoso pieces like Csardas by Monti, the temptation, specially for youngers, is to go ahead trying uselessly to play it in time, losing lucidity and wanting to achieve as soon as possible the desired result trying to imitate our idols; there would be no problems except that our body is acquiring informations, reacting to stimuli that are sent;all these signals come very clear to our brain which forward them to our muscles,the portion of the brain that manages and distributes these pulses is unable to distinguish whether this informations are correct or not, but in fact we are firmly rooting in our brain a way to play that is not correct, imprecise and approximate; this will affect the performance of that specific piece for a long time, even if one day we will have changed the way to practice, there will always be the possibility of an interference of the old signal, ready to jump out when we least expect it, perhaps even during a concert in which we finally have the chance to show the world what we are worth, a moment of distraction and……bang! here is that signal which is part of our past way of playing, but that will never be erased from our brain and which will be ready to spoil the party.
So what?
….So try to do exactly what I wrote in the title, be patient and begin right now to break the song into small manageable fragments and play them very slowly, several times; think of physical therapy, if you had hurt a leg and you had to make a rehab would do the same thing: repetition of small movements performed slowly, until regain the natural mobility that allows you to start walking and running again.
It is never too slow, the title speaks for itself: “a very fast sequence of long tones”….and I’m not joking, how slow depends on your ability to manage those specific technical difficulties, it means that because you will need a excellent double tonguing, you should practice the world’s slowest double tonguing; play every note, sustained and without gaps between intervals, and always with your best sound; use the same technique that you need to use later (double tonguing), does not make sense to use simple tonguing just because you're playing slowly, would be to spend time practicing a technique that you will not need then in that context.
You can also make a further step in the deepening of double tonguing technique: pronounce it as often as possible, train your tongue to ta-ka ta-ka even when not playing, symply by saying it; I remember an old teacher who once said: “get used to pronounce these syllables, say it everywhere, when you're on the bus,in a bar or under the shower”….I might avoid doing so in a clear manner in public places in order to avoid obvious consideration by those around you…you decide J
You might ask: “but how long I will take to finally be able to play this piece as I would?”, Only you can answer this question or better than you,your body, the brain system that regulates the learning, needs clear signals repeated over time, most often studied as above, more easy will be for you to understand how much time you need to master a new song.
As for the Cantabile sections, do not understimate them, apply the same way of practice, you should spend on it the same time you use over the double tonguing, so that all the technical aspects ( in this case the legato) will be under control, This will allow you to express your musicality with greater ease and with no surprises.
Your key words should be:
- clear signals
- slow practice
- repetition
- patience
Csardas, Una sequenza molto veloce di note lunghe
Quando si tratta di cominciare a studiare brani virtuosistici come la Csardas di Monti la tentazione, specialmente quando si è più giovani, è quella di buttarsi a capofitto cercando invano di eseguirli a tempo, in quei momenti si perde la lucidità e si vuole raggiungere nel più breve tempo possibile il risultato sperato cercando così di imitare i nostri idoli; non ci sarebbe nessun problema se non fosse che il nostro corpo sta comunque apprendendo delle informazioni, reagendo a degli stimoli che noi gli mandiamo; tutti questi segnali arrivano ben chiari al nostro cervello che a sua volta li trasmette ai nostri muscoli, la parte del cervello che gestisce e distribuisce questi impulsi non è in grado di distinguere se queste informazioni sono corrette o meno ma, di fatto, stiamo radicando sempre di più nel nostro cervello un modo si suonare non corretto, impreciso ed approssimativo; ciò influenzerà l’esecuzione di quel brano specifico per molto tempo, anche se un giorno avremo cambiato modo di studiare ci sarà sempre la possibilità di un’interferenza del vecchio segnale, pronto a saltare fuori quando meno ce lo aspettiamo,magari proprio durante un concerto in cui finalmente abbiamo la possibilità di dimostrare al mondo quello che valiamo, un attimo di distrazione e tac….ecco quel segnale che fa parte di un nostro modo di suonare passato, ma che non sarà mai cancellato dal nostro cervello e che sarà pronto a rovinarci la festa.
E allora?
…e allora provate a fare esattamente quello che ho scritto nel titolo,
armatevi di pazienza e cominciate sin da subito a scomporre il brano in tanti piccoli frammenti facilmente gestibili, e suonateli molto lentamente svariate volte; pensate alla fisioterapia, se vi foste fatti male ad una gamba e doveste fare una riabilitazione fareste la stessa cosa: ripetizione di piccoli movimenti eseguiti molto lentamente, fino a che non riacquisite la mobilità naturale che vi permetta di ricominciare a camminare ed a correre.
Non sarà mai troppo lento, il titolo parla chiaro: “una sequenza molto veloce di note lunghe”…..e non scherzo, quanto lento dipenderà dalla vostraabilità nel gestire quelle determinate difficoltà tecniche, vuol dire che siccome nella Csardas avrete bisogno di un ottimo doppio staccato, dovrete esercitarvi cominciando a studiare il doppio staccato più lento del mondo; suonate ogni nota, lunga e senza buchi tra i diversi intervalli, e con il vostro miglior suono possibile; utilizzate la stessa tecnica che dovrete usare poi, non ha senso utilizzare lo staccato semplice solo perché state suonando lentamente, vorrebbe dire perdere tempo a studiare una tecnica che non vi servirà poi in quel contesto.
Potete fare anche un ulteriore passo nella strada dell’approfondimento della tecnica del doppio staccato: pronunciatelo più spesso possibile, allenate la lingua al ta-ca ta-ca anche quando non suonate, semplicemente dicendolo; mi ricordo un vecchio insegnante che una volta disse: “Abituatevi a pronunciare queste sillabe, ditele ovunque, quando siete in autobus, al bar, sotto la doccia”…..ecco, io magari eviterei di farlo in maniera evidente in luoghi pubblici per non incorrere in ovvie considerazioni da parte di chi vi circonda…poi fate voi J.
Magari vi chiederete: “ma quanto tempo mi ci vorrà per riuscire a suonare finalmente questo brano come dico io?”a questa domanda potrete rispondere solo voi o meglio il vostro corpo, il sistema cerebrale che regola l’apprendimento a bisogno di segnali chiari ripetuti nel tempo, più spesso studierete nel modo sopra citato più facile sarà per voi capire di quanto tempo avrete bisogno per padroneggiare un nuovo brano.
Per quanto riguarda le parti cantabili, non sottovalutatele, applicate lo stesso principio di studio, dedicategli lo stesso tempo che impiegate per studiare il doppio staccato, in modo che tutti gli aspetti tecnici (in questo caso il legato) siano sotto controllo,ciò vi permetterà di esprimere la vostra musicalità con maggior disinvoltura e senza sorprese.
Like every piece of music there are two main topics to work on:
1 - technical issues
2 - how to make music
1 What I do when I have to practice a new piece is to play very slowly at a mezzo forte dynamic, if the range is to high I play that passages an octave lower, if there is some double or triple tounging I do it also if the tempo is slow, I repeat a lot of time till my body has assimilated all the movements (breathing,lips vibration,embouchure,fingerings) is not only a question of reading a piece of music but to teach our body to encode that piece of music.
Practice with the mouthpiece specially the II variation, to me is the most challenging part because we need a smooth legato in mezzo forte and piano dynamic, so a very solid control of our buzz (slur) is required.
Be sure when you buzz to play every note at the exact pitch,then play the intervals going up or down with glissando and stop only when you have reached the right intonation, help yourself with a piano.
Open your ears! if the note you are buzzing doesn't have the same intonation of the note you are playing with piano, tune it like when you are looking to your loved radio station, in this way you will play in tune but also you will set up in the right way your embouchure, teaching your facial muscles and your jaw what they have to do with every note, and also HOW they have to move to go from one note to another one, we can call this approach: "unconscious learning".
When you'll find a particularly difficult passage, extrapolate it like if it is one of your daily drills and practice in all the different keys.
2 - When all the technical skills are under your control, you can go on with the most important aspect of your performance: the music!
Contrary to what you might think the first step to be a better musician has nothing to do with personality, inspirations or feeling, indeed try first to be strictly loyal to all the informations you find on the score:
-rhythm (rhythm is mathematics, nothing more nothing less) the metronome has to be your best friend while practicing, but do not let it just turned on; listen to the beat and spread correctly all the notes between it, you can set your metronome to click the different subdivisions like eighth notes, triplets or sixteenths but please.......play in time!
- articlutation signs, these signs make a "very" big difference on the meaning of the piece in question, while you are reading a book or a newspaper you would never think to use different words from what you find, so why you should in music paper?
- dynamics this is the point that guides the performance from a merely execution of the notes to the magic of music, try to have more colours as possible from "pp" to "ff", and also on "crescendo" and "decrescendo", usually we find all this markings on the score, they are not only "decorations" but real
"road sign" that will lead us to the destination without which, we'll get lost in the world of anonymity.
Only when you have mastered the three points above you can trascend the score to express your soul, as in poetry, but only you know your interior path.
Good Job and Enjoy :-)
Come in ogni brano musicale ci sono due aspetti su cui lavorare:
1 – tecnica
2 – come fare musica
1 Ogni volta che devo studiare un nuovo pezzo, comincio suonandolo molto lentamente ad una dinamica mezzo forte, se l’estensione è acuta, per non affaticarmi suono l’ottava sotto, se ci sono dei passaggi che richiedono doppio o triplo staccato, li studio utilizzando quelle tecniche anche ad un tempo lento, ripeto ogni frase molte volte fino a che il mio corpo non ha assimilato tutti i movimenti (respirazione, vibrazione delle labbra, imboccatura, diteggiatura), non si tratta solo di leggere un nuovo brano ma di farlo codificare al nostro corpo .
Studiate con il bocchino specialmente la II variazione, per me è la parte più impegnativa in quanto abbiamo bisogno di un ottimo controllo del legato su intervalli anche ampi sia nella dinamica di “mezzo forte” che “piano”, è quindi indispensabile un solido controllo della nostra vibrazione con il bocchino.
Assicuratevi mentre vibrate con il bocchino di suonare ogni nota con una intonazione corretta, suonate poi tutti gli intervalli glissando da una nota all’altra assicurandovi di fermarvi solo quando avrete raggiunto l’altezza giusta della nota d’arrivo, aiutatevi con una qualsiasi tastiera.
Aprite le orecchie! Se la nota che state suonando con il bocchino non ha la stessa altezza della nota che state suonando con la tastiera, sintonizzatela come fareste quando cercate la vostra stazione preferita alla radio, in questo modo suonerete intonati ed inoltre imposterete correttamente la vostra imboccatura, insegnando ai vostri muscoli facciali ed alla vostra mandibola come muoversi per produrre per ogni singola nota, ma anche come si dovranno spostare per andare da una nota all’altra, possiamo chiamare questo approccio: “apprendimento inconscio”.
Quando trovate un passaggio particolarmente difficile, estrapolatelo come se fosse uno dei vostri esercizi giornalieri, e studiatelo in tutte le tonalità.
2 – Quando tutti gli aspetti tecnici saranno sotto controllo, potrete passare alla parte più importante della vostra esibizione: la musica!
Contrariamente a quello e che potreste pensare, il primo passo per essere un musicista migliore non ha niente a che vedere con la personalità, l’ispirazione o i sentimenti, provate invece ad essere innanzitutto strettamente fedeli a tutte le informazioni che trovate nella parte:
-ritmo(il ritmo è matematica, ne più ne meno), il metronomo deve diventare il vostro miglior amico mentre studiate, ma non và solo lasciato acceso; ascoltate il battere e cercate di distribuire correttamente tutte le note all’interno dei battiti secondo la notazione scritta, potete aiutarvi impostando le diverse divisioni nel vostro metronomo come ottavi, terzine, sedicesimi ma per favore…..suonate in tempo!
-segni di articolazione, questi segni fanno una grande differenza sul senso del pezzo in questione, mentre leggete un libro o un quotidiano non vi verrebbe mai in mente di leggere parole diverse da quelle che trovate scritte, allora perché dovreste farlo leggendo un foglio di musica?
-dinamiche, questo è il punto cruciale che trasforma la performance da mera esecuzione delle note in magia della musica, provate ad avere più colori possibili tra “pp” e “ff” e tra “crescendo” e “ decrescendo”; generalmente troviamo tutte queste indicazioni nella parte, non sono semplicemente decorazioni ma veri e propri segnali stradali che indicano la direzione verso la nostra destinazione e senza i quali ci perderemo nel mondo dell’anonimato.
Solo quando sarete in grado di padroneggiare i tre punti precedenti, potrete trascendere la partitura per poter esprimere finalmente la vostra anima, come in poesia, ma solo voi conoscete questa vostra strada interiore
